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May

Dossier de prensa: El festival Luz y Vanguardias regresa a Salamanca

  • Del 15 al 18 de junio, la segunda edición del festival llenará la ciudad de luz y arte de vanguardia
  • Luz y Vanguardias cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Salamanca y la implicación activa de Iberdrola, en su apuesta por la cultura y el arte de vanguardia
  • Sobre los edificios más emblemáticos de Salamanca se proyectarán obras de artistas nacionales, internacionales, empresas audiovisuales y estudiantes de las dos universidades de la ciudad
  • El mexicano Rafael Lozano-Hemmer, la francesa Félicie d’Estienne d’Orves, el colectivo franco-japonés Nonotak Studio y los españoles José María Cruz Novillo y Juan Gomila serán los artistas invitados en esta edición
  • El festival se amplía en su segunda edición con la sección +Luz en la que participan los museos, galerías y espacios artísticos de la ciudad con propuestas unidas por el hilo conductor de la luz


 ¿Qué es el festival Luz y Vanguardias?

 El festival Luz y Vanguardias es un acontecimiento de carácter anual dedicado  a la creación que utiliza la luz como materia prima de obras relacionadas con la plástica, el vídeo y la instalación.

Luz y Vanguardias cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Salamanca y la implicación activa de Iberdrola, en su apuesta por la cultura y el arte de vanguardia. La organización corre a cargo de Estudio de Comunicación.

Durante cuatro noches (del jueves 15 al domingo 18 de junio), visitantes y salmantinos encontrarán en las calles de la ciudad obras de artistas de proyección internacional, piezas presentadas al concurso internacional de videomapping y propuestas artísticas y documentales desarrolladas por jóvenes creadores de las Universidades salmantinas. Todo ello en diálogo con edificios y lugares cargados de historia en una ciudad Patrimonio de la Humanidad.

Algunos de los espacios emblemáticos que servirán de lienzo a las obras del festival son el Ayuntamiento en la Plaza Mayor, la Casa de las Conchas, el convento de San Esteban o la Plaza de Anaya, junto a la Catedral Nueva.

Además de su programación central, este año el festival se enriquece con la sección + Luz, un programa paralelo protagonizado por los principales espacios artísticos de Salamanca que incluyen en su programación propuestas con el hilo conductor de la luz.

El festival, que está concebido como un acontecimiento cultural y festivo, se divide en cuatro apartados:

Los artistas invitados. En este apartado participan reconocidos creadores internacionales. Y en esta edición contará con las obras del mexicano Rafael Lozano-Hemmer, la francesa Félicie d’Estienne d’Orves y el músico Frédéric Nogray, los creadores franco-japoneses Nonotak studio y los artistas españoles José María Cruz Novillo y Juan Gomila.

La sección de concurso. Convocatoria abierta a la que pueden acudir artistas independientes y empresas nacionales e internacionales dedicadas al ámbito de la producción y creación audiovisual. Expondrán sus propuestas sobre la fachada del Ayuntamiento, en la Plaza Mayor de Salamanca, y serán sometidas al fallo de un jurado profesional. Se celebrará también una votación popular.

–  Los jóvenes creadores. Desde su inicio, el festival ha querido fomentar la promoción de jóvenes talentos procedentes de las dos universidades de la ciudad, que dispondrán de la fachada de la Casa de las Conchas para exhibir sus creaciones.

–  La sección +Luz. Museos, galerías y espacios alternativos salmantinos programan propuestas artísticas que tienen la luz como hilo conductor.

Programa artístico

Responsable de la selección artística

La Responsable artística de Luz y Vanguardias es Lourdes Fernández Fernández, encargada de la selección y coordinación de los artistas internacionales invitados. Lourdes Fernández es actualmente directora de Azkuna Zentroa, centro de referencia cultural de la vanguardia vasca, y forma parte del patronato de la Fundación Museo Reina Sofía de Madrid. Fue directora de la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid ARCO de 2006 a 2010 y ha dirigido diferentes proyectos internacionales de arte contemporáneo como la Galería DV (Diario Vasco) en San Sebastián o la Bienal Europea de Arte Contemporáneo Manifiesta 5.


 Artistas invitados en la edición 2017

 Rafael Lozano-Hemmer

Rafael Lozano-Hemmer (Ciudad de México, 1967) es, hoy por hoy, el principal exponente mexicano del arte electrónico. Con veintitrés años de trayectoria, desarrolla instalaciones interactivas en la intersección entre la arquitectura y la performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, mediante la perversión de tecnologías como la robótica, la vigilancia computarizada o las redes telemáticas. Inspirado por la fantasmagoría, el carnaval y la animatrónica, sus trabajos de luz y sombra son “antimonumentos de agenciación alienígena”. Lozano-Hemmer es licenciado en Química Física por la Universidad de Montreal (Canadá), ciudad en la que vive y trabaja.

Sus instalaciones interactivas a gran escala han sido comisionadas para eventos como la exposición previa a la inauguración del Guggenheim en Abu Dhabi (2015), las Olimpiadas de Invierno en Vancouver (2010), el memorial de la Matanza de Estudiantes de Tlatelolco en Ciudad de México (2008), la Expansión de la Unión Europea en Dublín (2004), la inauguración del YCAM Center en Japón (2003), la Cumbre Mundial de las Ciudades de la ONU en Lyon (2003), Róterdam Capital Cultural Europea (2001) y las Celebraciones del Milenio en Ciudad de México (1999).

Recientemente ha presentado exposiciones monográficas en el San Francisco Museum of Modern Art, en el Museo MUAC de la Ciudad de México y en el Museum of Contemporary Art de Sídney. Rafael Lozano-Hemmer fue el primer artista en representar oficialmente a México en la Bienal de Venecia con una exposición individual en el Palazzo Soranzo-Van Axel en 2007. También ha expuesto su trabajo en Bienales de Arte y Trienales en La Habana, Estambul, Kochi, Liverpool, Montreal, Moscú, Nueva Orleans, Sevilla, Seúl, Shanghái, Singapur y Sídney.

Más información: lozano-hemmer.com

Félicie d’Estienne d’Orves

Félicie d’Estienne d’Orves (Atenas, 1979) es una artista francesa que vive y trabaja en París. Su trabajo artístico combina la luz y la escultura con las nuevas tecnologías, mientras que sus investigaciones están centradas en los procesos y condicionamientos del sentido de la vista.

Mezclando video, esculturas y proyecciones, la artista manipula la luz como si fuera pintura mediante la modulación de proyecciones sobre esculturas. Utiliza un tratamiento de la luz por superposición de proyecciones sobre esculturas a modo de “pantalla”, evocando una dualidad de la realidad, tangible e inmaterial.

Sus instalaciones producen en el espectador un efecto de inmersión y se basan en una aproximación fenomenológica a la realidad que enfatiza la percepción del tiempo como un continuo. Desde 2014, las investigaciones de la artista se han centrado en explorar la relación del espacio con la astrofísica y en el estudio de los ciclos de la luz natural.

Su trabajo ha sido presentado en el Centre Pompidou, Le Centquatre, la Nemo International Biennial of Digital Arts y la Nuit Blanche de París, en el New Art Space y el Sonic Acts de Ámsterdam, en el Watermans Arts Center de Londres, en el Elektra Festival y el BIAN de Montreal, en la Maison des Arts of Créteil (Francia), en el OCAT de Shanghái,  el ICAS de Dresde o el Aram Art Museum  de Goyang (Corea del Sur).

Más información: www.feliciedestiennedorves.com

Frédéric Nogray (Francia 1971) vive y trabaja en Paris. Músico autodidacta, improvisador, compositor y artista sonoro desde 1999.
Frédéric presta particular atención a las cualidades intrínsecas de los sonidos y a lo que les da naturaleza: el fenómeno vibratorio. Pero también está interesado en su difusión dentro del espacio de escucha, en cómo los percibimos y en los variados estados de consciencia inducidos que nos conducen a la intimidad del sonido, dentro de nuestra propia intimidad.

Durante años ha usado diversos dispositivos electrónicos y electroacústicos en conciertos, grabaciones, instalaciones sonoras y colaboraciones con otros artistas. Desde 2005 produce además música acústica instrumental empleando cuencos de cristal hechos a partir de arena de cuarzo (sílice) templada a modo de crisoles. Estos cuencos están concebidos para un uso industrial, en la fabricación de componentes para las nuevas tecnologías. Frédéric Nogray emplea también grabaciones de la naturaleza para sus composiciones. Es miembro y compositor del dúo electrónico “The Imaginary Soundscapes”.

 

NONOTAK studio

Noemi Schipfer (Francia, 1998)

Takami Nakamoto (Japón, 1988)

NONOTAK studio es la colaboración entre la ilustradora francesa Noemi Schipfer y el arquitecto y músico japonés Takami Nakamoto. El dúo nació en 2011, cuando el despacho arquitectónico Bigoni-Mortemard les encargó la elaboración de un mural para el vestíbulo de un edificio de apartamentos en París, ciudad donde residen y trabajan ambos artistas.

Pero no fue hasta principios de 2013 cuando comenzaron a trabajar en la creación de instalaciones audiovisuales cuyo sello característico es la generación de ambientes etéreos y oníricos que envuelven al espectador en un sueño donde se diluye la frontera entre lo real y lo virtual. En estos espacios destacan el enfoque sobre espacio y sonido de Takami Nakamoto y la experiencia en cinética visual de Noemi Schipfer.

NONOTAK crea resplandecientes instalaciones de arte visual que cobran vida en la performance, fundiéndose con música electrónica, luz estroboscópica y múltiples pantallas erigidas en estructuras que rodean a los artistas, creando un universo interactivo de metamorfosis de luz y sonido que envuelve a la audiencia.

NONOTAK studio ha sido comisionado por el Mapping Festival (Ginebra), EM15 ELEKTRA / MUTEK (Montreal), la Nuit Blanche (París), Roppongi Art night (Tokio), Axcess Art Gallery (Nueva York), Stereolux (Nantes), Playgrounds Festival (Tilburg), Mirage Festival (Lyon), Vision’R, Insanitus Festival (Lituania), FUZ Festival (París), Lunchmeat Festival (Praga), KIKK Festival (Bélgica) o Nokia by Lumia (Estambul), entre otros.

Su trabajo ha sido exhibido en instituciones y galerías como el Tokyo Grant Hyatt Hotel, l’Opéra de Lyon, Batiment d’Art Contemporain de Genève, Teatro de NWE Vorst, La Fabrique, Pavillon Carré de Baudouin y Le Générateur.

Más información: nonotak.com

José María Cruz Novillo

José María Cruz Novillo (Cuenca, 1936) es un artista plástico con más de cincuenta años de trayectoria profesional, que ha estado centrado desde comienzos de los años 90 en el desarrollo del concepto “Diafragma”, denominación que engloba multitud de obras cuya característica común es la combinación de un número variable de elementos monocromáticos, sonoros, fotográficos o tridimensionales.

Desde el inicio de su carrera en 1957 José María Cruz Novillo ha ido trazando dos claras líneas paralelas en el mundo del diseño y el mundo del arte. Dentro del primero resalta indiscutiblemente como uno de los diseñadores españoles más importantes de todos los tiempos por la amplitud de su obra, su solidez conceptual y la transcendencia social adquirida por sus creaciones. Éstas han estado presentes en múltiples esferas de la vida corporativa y ciudadana en elementos tan singulares como los logotipos de las grandes corporaciones o partidos políticos, los billetes y monedas o las banderas de diversos territorios. Actualmente sigue codirigiendo, junto a su hijo, el estudio Cruz más Cruz.

La actividad netamente artística cuenta también con una larga trayectoria ya que en 1972 realiza su primera exposición en la galería Skira de Madrid. Desde entonces expone regularmente pinturas, esculturas, grabados, etc. En 1977 participa con una sala personal en la Bienal Internacional de Sao Paulo. Ha participado en las Ferias de Arte FIAC de París, Bassel Art, Art Cologne, y en ARCO de forma prácticamente ininterrumpida desde 1985.

Su “Diafragma Dodecafónico 8.916.100.448.256, opus 14”, de 3.392.732 años de duración y estrenado en ARCO’10, puede seguirse, hasta su finalización, en www.cruznovilloopus14.com.

Más información: http://www.cruznovillo.com/

Juan Gomila

Juan Gomila (Barcelona, 1942) es uno de los artistas referenciales en el panorama español posterior al desarrollo del arte Pop. Su trabajo, que se inicia en los años sesenta, se propone como una reflexión lúcida acerca del valor del color y de los signos en un mundo saturado de señales y de códigos. Así, cabe afirmar que desde la época en que representó a España en la Bienal de Alejandría (1974, Primer Premio) o en la Bienal de Sao Paulo (1977), Gomila ha insistido en el valor que el cuerpo, esto es, el ser humano, asume en unos entornos urbanos altamente mediatizados.

Todas estas preocupaciones se hacen explícitas desde los años sesenta hasta nuestros días. Así podemos ver cómo la figura ha evolucionado de un modo complejo a lo largo de toda su trayectoria, sin importar, de hecho, el medio técnico al que recurría: de la pintura tradicional al collage o de la fotografía digital al proceso de escarbado y recorte en publicaciones de diferente índole.

En la década de los noventa abre una nueva etapa en su trabajo en la que la figuración, si bien no desaparece por completo, queda diluida bajo un procedimiento pictórico mucho más abstracto y expresivo.

En 2003 realiza los primeros trabajos denominados “recortables”; piezas en las que utiliza revistas y libros sobre las que interviene recortando figuras. Pronto empieza a realizar fotografías de esas obras y a ampliarlas en gran formato, técnica que trasladará más tarde a la fotografía digital.

Sus trabajos figuran en colecciones como la del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca, el Museo de Bellas Artes de Asturias en Oviedo, el Museo Jovellanos de Gijón, el Museo de Arte Contemporáneo de Villafamés (Castellón), el Museo de Arte Moderno de Bialystock (Polonia), el Museo Textil de la Indumentaria (Barcelona) o el Museo Salvador Allende de Santiago de Chile así como en numerosas colecciones privadas y corporativas.

Más información: gomilajuan.com

Ganador del concurso 2016: Slidemedia Lab

 El Ayuntamiento de Salamanca ha comisionado al ganador del concurso celebrado en la primera edición, el colectivo de artistas multidisciplinares Slidemedia Lab, la creación de una obra que se expondrá durante el festival en los jardines de la Plaza de Colón. Slidemedia Lab es un colectivo de artistas multidisciplinares, dedicados a la investigación y puesta en marcha de propuestas audiovisuales basadas en la técnica del videomapping, aplicaciones interactivas y creación de contenidos MotionGraphics.

La pieza que presentarán interactúa con los espectadores, que situados en un área de acción pueden manipular las proyecciones y “pintar” sobre la escultura a través del movimiento de los brazos y las manos. La acción de los espectadores también repercute sobre la iluminación que se proyecta hacia los árboles alrededor de la obra.

Jóvenes creadores                                                                                                                 

En el apartado destinado a jóvenes talentos se proyectarán sobre la fachada de la Casa de las Conchas las obras realizadas por estudiantes de Bellas Artes y Comunicación Audiovisual de la Universidad de Salamanca (USAL) y alumnos de máster de la Facultad de Comunicación de la Universidad Pontificia de Salamanca (UPSAL).

+Luz

El festival incorpora, como novedad de este año, la sección +Luz, una programación cultural paralela creada y presentada por cuatro espacios artísticos de Salamanca. DA2, Adora Calvo, Espacio Nuca y La Salchichería programan una oferta cultural que tiene la luz como hilo conductor de sus propuestas.

+Luz constituye un complemento ideal a la programación oficial del festival, con actividades diurnas, vanguardistas y enraizadas en los espacios más creativos de Salamanca.

A continuación detallamos las propuestas previstas por cada uno de los espacios. Las fechas y horarios de apertura de las distintas iniciativas se irán actualizando según estén disponibles.

  • DA2: (Avenida de la Aldehuela, s/n) El centro salmantino de arte contemporáneo por excelencia presentará la exposición “Espacio-Tiempo” sobre la luz como materia, instrumento y lenguaje. La ambiciosa exposición parte de los fondos de arte contemporáneo de la Colección Fundación Coca-Cola y de la Colección DA2 y dará especial importancia a la fotografía, que tiene en la luz su substancia básica. De junio a diciembre de 2017.

  • Adora Calvo: (Calle Arco, 11) La galería referente en Salamanca y en Castilla y León albergará un nuevo proyecto del reconocido artista Javier Riera, en el que el artista desarrolla un concepto de la luz como elemento que constituye la imagen mediante un tránsito en el que luz y oscuridad intervienen de forma medida. Riera combinará cuadros, fotografía o vídeo con intervenciones de luz y oscuridad sobre el propio espacio expositivo. El creador avilesino regresa con esta exposición a la ciudad en la que se formó de la mano de la principal galerista de Salamanca. Horario por determinar.

  • Espacio Nuca: (Calle María Auxiliadora, 16) Este centro de arte multidisciplinar, que agrupa galería, escuela y showroom, presentará la exposición “Constelaciones” con la obra en cerámica de la diseñadora y artista madrileña Julieta Álvarez que en tan sólo cuatro años ha logrado que sus piezas figuren en tiendas y galerías alrededor del mundo. La exposición combina algunas de sus piezas más icónicas con móviles de gran formato creados específicamente para la muestra. Del 12 de mayo al 28 de julio de 2017.

  • La Salchichería: (Plaza del Oeste, 7) El bar y espacio cultural del Barrio del Oeste propone una “Trilogía de la luz”: luz natural, con la original propuesta sobre bioluminiscencia de la científica y artista plástica Juana Ciudad que toma a la naturaleza como inspiración; luz artificial con un ciclo nocturno de música electrónica e interacción lumínica y “no luz”, con cenas y maridajes a oscuras que potencian los sentidos. Luz natural: del 13 de junio al 9 de julio. Luz artificial: 16 y 17 de junio desde las 23:00. No luz: 16 y 17 de junio a las 21:30.

 

Concurso y premios

 El festival Luz y Vanguardias convoca un concurso abierto a artistas y empresas nacionales y extranjeras dedicadas al ámbito de la producción y creación audiovisual y del vídeomapping con dos premios, el del jurado y el del público.

La premisa es ligar el rico pasado histórico, cultural y arquitectónico de la ciudad con manifestaciones de carácter artístico y técnico basadas en la luz y directamente vinculadas con la contemporaneidad y el siglo XXI.

Los participantes deben crear una obra adaptada a la arquitectura del Ayuntamiento de Salamanca en la Plaza Mayor sobre la que se proyectarán las obras a concurso. El concurso oficial tiene una dotación económica de 15.000 euros en metálico para la obra ganadora que será elegida por un jurado formado por profesionales de destacada trayectoria en los campos del arte contemporáneo, las artes visuales y la imagen.

Además y durante el festival, el público en general podrá votar, en la página web luzyvanguardias.com, su obra favorita de entre todas las proyectadas en la Plaza Mayor. La ganadora será premiada con 3.000 euros.

El jurado

El jurado encargado de fallar el premio Luz y Vanguardias está formado por seis miembros con una destacada trayectoria en los campos del arte contemporáneo, las artes visuales y la imagen corporativa.

Concretamente los profesionales que integran el jurado son:

  • Manuel Campo Vidal, director de la Academia de las Ciencias y las Artes de la Televisión.
  • María Jesús Díez Miguel, responsable de exposiciones del centro de arte contemporáneo de Salamanca DA2.
  • Alicia Aza, vicepresidenta de la Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo 9915.
  • Luis Gómez, director de Marca y Reputación de Iberdrola.
  • Lourdes Fernández, responsable artística del Festival de Luz y Vanguardias.
  • Alberto Mariñas, director del Festival de Luz y Vanguardias.


Espacios del festival

Estos son algunos de los espacios que albergarán el festival Luz y Vanguardias 2017:

Ayuntamiento de Salamanca, Plaza Mayor

La Casa de las Conchas

Iglesia del Convento de San Esteban

Catedral Nueva y Plaza de Anaya

Patio de las Escuelas de la Universidad de Salamanca

Plaza de Colón

Patio Barroco de la Universidad Pontificia de Salamanca


Horarios
 

El festival se inaugura el jueves 15 de junio y concluye el domingo 19 de junio. Horario de iluminación de edificios: de las 22:45h hasta las 2:00h. La proyección de las obras es continua en todos los espacios.

Materiales para Prensa

Desde AQUÍ pueden descargarse imágenes del festival

Desde AQUÍ pueden descargarse el dossier y la nota de prensa

Desde AQUÍ pueden descargarse vídeos y brutos

https://goo.gl/I89cE5